Publikationen 2015

Zu den nachhaltig irritierenden Texten, die in diesem Jahr (2015) zur Situation der Kunst und ihrer Vermittlung veröffentlicht wurden, gehört sicher Wolfgang Ullrichs Polemik "Stoppt die Banalisierung", in dem der Autor den missionarischen Übereifer von Kunstvermittlern in Museen kritisiert, ihn mit der Sozialdemokratisierung der Gesellschaft in Beziehung setzte und die Frage stellt, wie sich die Verabsolutierung von Kunst in der Kunstvermittlung auf diese selbst auswirkt.

Paradoxien sind so etwas wie die Feuerwerkskörper menschlicher Logik: sie bringen nicht-logische Zusammenhänge zur Sprache, die den Betrachter/Leser inspirieren, das Logische und das Nicht-Logische miteinander zu kombinieren, um Erfahrungen zu machen. Was kann man von einer Paradoxie, diesem schrägen Bastard zwischen plötzlicher Evidenz und andauerndem Widerspruch, eigentlich lernen? Am besten man antwortet auf Fragen dieser Ordnung selbst mit einer paradoxen Frage: Was wäre,wenn es plötzlich keinen Konjunktiv mehr gäbe?

Heute soll, nein heute muss jeder kreativ sein; jeder, der heute arbeitet, kommt ohne Kreativität, sei sie kurzzeitig improvisierend oder dauerhaft in Bearbeitung, nicht mehr aus. Wahr ist auch: Auf Dauer nicht kreativ zu sein, können sich heute immer weniger Arbeitende leisten. Dabei ist Kreativität in hohem Maße ambivalent: entsteht sie einerseits unmittelbar in einem lebendigen Prozess schöpferischen Handelns, kann man andererseits auch Probleme und Leistungen kreativ kontrollieren und managen. Der Frage, die entsteht, kann man nicht ausweichen: Was ist das für eine Gesellschaft, die von immer mehr ihrer Akteure fordert, lebenslang kreativ bleiben zu müssen?

Debatten machen Lust auf eigenes Denken – besonders im Frühsommer, wo neues Leben erwacht. Vielleicht lässt sich ja die Diskussion zu Wolfgang Ullrichs ZEIT-Artikel (Stoppt die Banalisierung! DIE ZEIT v. 26. 3. 2015; http://www.zeit.de/2015/13/kunst-vermittlung-museum) über den vermeintlichen „missionarischen Eifer“ der Kunstvermittler und die Banalisierung der Kunst noch durch einen etwas ungewohnten Vergleich erweitern, der einen anderen Blick auf das Museum als ein nachhaltiges Biotop wirft.

Was macht der Kopf, wenn die Hand zeichnet? Und der Betrachter betrachtet?
Vieles beginnt im luftleeren Raum. Wie entwirft der Architekt, wenn er zeichnend Räume imaginiert? Wie entwickelt sich der Entwurf von der Linie über die Fläche in den Raum? Welche Qualitäten hat eine Linie im Gegensatz zu anderen Darstellungsweisen? Das Schöne am Zeichnen von Linien wird durch ihre Doppeldeutigkeit umschrieben. Linien geben nicht nur Wege ihres eigenen Entwurfs wieder. Sie sind zugleich so abstrakt, dass sie dem eigenen Assoziieren nicht im Wege stehen. In dem Moment, in dem wir zeichnen, teilen wir den Raum auf dem Papier in zwei Hälften: den Raum diesseits und jenseits des zu Zeichnenden.

No matter how individual pieces of art are realized, they all contain created interior spaces and as such provide an occasion for observations of observations. It is equally true that today we can read spaces as images; they generate new, mutual resonances between inside and outside. What happens when a “medium” or representation, for example an artist, acts as if he works like an architect? He builds spaces, which from the outside do not aim or claim to represent architecture but rather function as a special kind of interior space. Put differently: artists always replicate their own individually and idiosyncratically created interior architectures.

Angenommen, eine intelligente Maschine würde einmal beobachten, wie zwei Menschen miteinander versuchen, zu kommunizieren – wie würde diese Maschine diese Begegnung und ihre Folgen dokumentieren? Heute verläuft eine technische aber auch eine künstlerische Form der Kommunikation im Wesentlichen hocheffizient, unterschwellig und selbst widersprüchlich – mit anderen Worten: asymmetrisch.

Dreihundert Jahre braucht der Mensch im Durchschnitt um eine neue kognitive Eigenschaft in seinem genetischen Repertoire fest zu verankern. Wann wird der heutige und zukünftige Mensch wohl das Beobachten und Bewerten von Widersprüchen als eine Notwendigkeit betrachten? Widersprüche sind so etwas wie die Problemzonen einer Gesellschaft. Doch wovon erzählen sie im Einzelnen und was erzählen sie über uns selbst? Neben Problemen und Lösungen gibt es noch eine dritte, zeitgemäße und tendenziell anwachsende Wirklichkeit – die Welt der Widersprüche. Doch was überhaupt sind Widersprüche und wie entstehen diese? In welcher intellektuellen, politischen und künstlerischen Umgebung gedeihen sie besonders gut? Wie wäre ein Leben ohne sie? Wie reagieren Betrachter wenn sie sich den Risiken und neben Nebenwirkungen von Widersprüchen aussetzen?

Das Reisen in (un-)mögliche Zukünfte ist seit der Veröffentlichung von H. G. Wells Roman „Die Zeitmaschine“ ("The Time Maschine")(1895) für deren Leser zu einem populären Vergnügen geworden. Heute reicht es schon vermeintlich einfache Fragen zu stellen, um sich quer zu herrschenden Gegenwarten zu bewegen. Keine eigenartige, sondern eine naheliegende Frage: Warum entsteht heute etwas, was im Kunstkontext entsteht, also beobachtet wird? Bin ich wer, insofern ich (mich) beobachte?

Kunst ist heute ist nicht mehr nur noch eine Angelegenheit für gewiefte Kunstexperten, sondern ereignet sich vor unseren Augen, also für alle aufmerksame Mitmenschen und andere Kunstinteressierten. So auch hier. Kürzlich konnte man im öffentlichen Aussenraum ein Werbebanner mit folgender Aufschrift sehen: Ist das Kunst und macht das Sinn? Nicht schlecht. War hier ein anonymer Künstler am Werk?

Nichts weiter als ausgewählte deutsche Worte / Nothing more than Special selected german words.

Kunstwerke enthalten, wie immer sie auch im Einzelnen realisiert sein mögen , gestaltete Binnenräume, oder anders gesagt: Anlässe für Beobachtungen von Beobachtungen. Das gilt insbesondere auch für Räume, die ein inneres Verhältnis zu Räumen formulieren. Was geschieht, wenn ein darstellendes Medium wie ein Künstler so tut, als ob er wie ein Architekt arbeitet? Er baut Räume, die nach Aussen hin keine Architektur darstellen oder sein wollen, sondern als Innenräume einer besonderen Art fungieren. Anders gesagt: Künstler imitieren immer auch ihre jeweils eigenen und eigenwillig erschaffenen inneren Architekturen

Kunst entsteht immer in Momenten der Unsicherheit, buchstäblich aus und im Moment: zwischen Einfall und Abfall bilden sich Stellen des Wissens, die sofort durch andere ersetzt werden können. Selbst die Idee von Kunst. Was wäre, wenn Kunst eine Form von Nicht-Wissen darstellt, die über Kunst und ihre Entstehung informiert und gleichzeitig den eigenen Status als Kunst verändert?