Publikationen 2020

Anyone who not only possesses knowledge, but also - as is customary today - sorts, prepares and communicates it on a daily basis, is not only a data collector, but also a constructor of reality, his or her own 2nd order laboratory, so to speak (Niklas Luhmann): knowledge has long since transformed into a permanently new activity that has to be performed anew, and has thus assumed the status of a contemporary raw material. "Education is work on itself" (Konrad Paul Liessmann) - and with knowledge that is suitable or made suitable.

In some moments it is worthwhile to start from the surface and go deeper. For example, the question of what attitude is actually embodied in the act of taking a photograph. Photography literally means: to write into a present time with a light that is present at the moment. What then ends as a moment in a photograph begins to appear to the individual viewer as an incomparable image - and in a new way. Every photograph is unique. It cuts a time out of a space, turns a moment into the image of a narrative. Photographing thus means giving time a pictorial form - that is, thinking about the light in the writing and the traces of time.

Womit könnten wir, die aktiven BetrachterInnen von heute entstehender Kunst, wohl am besten verglichen werden? Etwa, was zur Zeit nahe liegt, mit einem Virus (und wenn, mit welchem genau?) und wie und womit könnten wir in diesem Vergleich die Software vergleichen? Schon an dieser möglichen Vergleichbarkeit erkennen wir den enormen Reiz, den solche Operationen für unseren Geist bereithalten.

Der aktuelle Wert von Kunst definiert sich, so meine These, in Zukunft zunehmend nicht mehr nur noch in seinem aktuellen und hochgradig relativen Marktwert, den ein verkauftes Werk etwa auf einer Auktion erzielt und der das heutige öffentliche Image von Kunst nach wie vor extrem dominiert. In Zukunft wird der Wert vielmehr von den Erwartungen und Einschätzungen jener KunstnutzerInnen abhängig werden, die in einer möglicherweise noch zeitlich fernen Gegenwart einen neuartigen Sinn von Kunst in und für die der Gesellschaft erkennen werden.

Der israelische Historiker Yuval Noah Harari erklärte in Homo Deus (2017) die Suche nach der realen Unsterblichkeit zum Großprojekt der Wissenschaften im 21. Jahrhundert. Immer wieder war die Option auf eine realisierbare Unsterblichkeit ein zentraler Topos von Science Fiction und sie ist es immer noch. Besonders Kunst und KünstlerInnen lebten und leben von ihrem unerschütterlichen Glauben an die mögliche (eigene) spätere Unsterblichkeit. Doch was ist in diesem Kontext eigentlich mit den BetrachterInnen, die ja weniger an die Unsterblichkeit als vielmehr an ihre eigenen dezidiert nicht-sterblichen Aktivitäten denken?

Wie äußert sich heute, in einer Gegenwart von Bildern, ein allgemeiner Anspruch etwas öffentlich als Bild individuell produktiv zu machen? Oder aus einer etwas veränderten Perspektive: wie präsentiert sich heute ein Bild als personalisiertes Inbild seiner Darstellung? Müssen die heute öffentlich zugänglichen Bilder nicht überhaupt zunächst einem individuellen (sprachlichen) Zugang aufbereitet werden? Wie verändert sich dabei der aktuelle Status eines Bildes, wenn es von einem öffentlichen in ein privat nutzbares Bild verwandelt wird?

We all talk about the audience today as an audience. Especially today, when museums and theatres are closed and exhibitions and performances take place at home on private computers. But somehow "the shop has to keep running" (Angela Merkel). What is and what does the audience actually do now? Are they possibly being reborn with new abilities?

What you can learn from a sentence – and what not

Vergleiche entstehen dadurch, indem man sie unternimmt. Ein Vergleich eröffnet Fragen nach dessen Unvergleichbarkeit ohne restlos zu erklären worin dessen Evidenz bestehen mag.Hierzu ein Beispiel: die nichtbeliebige Vergleichbarkeit von Kunst mit Glück.

Architecture, fashion, design, politics, technology, entertainment - art has become comparable with everything and anything. But what are the consequences of this permanent comparability? Art informs us by its evidence that surprises us again and again; intelligence tells us about our luck to be able to grab it at the right moment - and at the same time ask new questions about the options that have become possible today.

Begriffe besitzen keine fixierte Identität; sie fungieren als Rahmen, deren Grenzen allerdings verschiebbar sind – mit unterschiedlichen Folgen, die sich hieraus ergeben (können). Heute wirken Begriffe weniger wie in sich geschlossene Welten als vielmehr wie ein offenes Reservoir von getriggerten Ideen und neuen Anschlussmöglichkeiten.

Data are not works of art, but value-forming raw materials of comparative thinking. Without the relevance of evaluated data, even elements of a work of art cannot really be realized today. Data always emerge when information that has been made comparable is related to each other - and thus a new kind of relationship between what has been made comparable and what has become incomparable emerges.

Daten sind keine Werke der Kunst, sondern wertbildende Rohstoffe eines vergleichenden Denkens. Ohne die Relevanz von bewerteten Daten sind auch Elemente eines Kunstwerks heute nicht wirklich realisierbar. Daten entstehen immer dann, wenn vergleichbar gemachte Informationen miteinander in Beziehung gesetzt werden – und so ein neuartiges Verhältnis zwischen vergleichbar Gemachtem und unvergleichbar Gewordenem entsteht.

Fotografiert wurde im 19. Jahrhundert „was sich nicht bewegte“ (Wolfgang Kemp). Heute werden Bilddaten gespeichert und weiter verarbeitet, aus denen sich rückwirkend nicht nur neuartige Bilder generieren lassen, sondern mit denen auch das Denken in und mit Bildern simuliert und in ihren Effekten künstlich intelligent gesteigert werden kann. Fotografie bzw. die Geschichte ihrer Rezeption wird zu einem Spiegelbild visuell inkludierter Intelligenz.

Noch nie gab es wohl so viele kunstinteressierte AusstellungsbesucherInnen, die so neugierig, hellwach, erwartungs- und anspruchsvoll waren wie heute – und noch nie war es aufgrund dieses gesteigerten Anspruchsniveaus für ein gebildetes Publikum so leicht so schnell enttäuscht zu werden. Wie aber erfüllt sich eigentlich ein Anspruch, der sich auf bisherige Standards von Kunst bezieht und dabei die hohen Erwartungen des Publikums reflektiert?

Was macht die Diskussion um die FORM, die den nächsten Kunsthistoriker-Kongress 2021 in Konstanz als Rahmenthema beschäftigen wird, so spannend für die gegenwärtige Gesellschaft, die ja heute mit unterschiedlichsten ästhetischen Formen, rhetorischen Formeln und medialen Formaten kommuniziert? Gerade diese unterschiedlichen Formen direkter oder indirekt wirksamer Kommunikation entscheidet über die Beobachtbarkeit dessen, was gerade im Einzelnen verhandelt wird.Jede Form enthält Anwendungen künstlicher gemachter Intelligenz und formuliert damit ein entsprechendes Anspruchsniveau.

Dass KünstlerInnen und in ihrer Folge auch KuratorInnen Ansprüche an das eigene Arbeiten stellen, gilt als Selbstverständlichkeit. Dass inzwischen aber auch einzelne BetrachterInnen seitens des Kunstpublikums ihr gegenwärtiges Anspruchsniveau überprüfen, kann als eine relativ neuartige Entwicklung der allgemeinen Kunstrezeption verbucht werden. Angesichts einer rapide fortschreitenden Digitalisierung aller Lebensbereiche, die inzwischen auch unser Bild von Menschen gemachten Kunstwerken verändert, stellt sich die Frage nach dem menschlichen Anteil und dem nicht- technischen Anspruch gegenüber Kunst und ihren Werken umso dringender.